Campo En La Fotografía: 

Llamamos campo, en fotografía, a una parte de una escena o motivo cubierta por un objetivo. Puede expresarse como el ángulo que subtiende en el objetivo el diámetro del círculo máximo de nitidez aceptable.

También se da el nombre de "cámara de campo" a las cámaras de gran formato lo suficientemente portátiles como para ser usadas fuera del estudio.

Profundidad de campo: 

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del punto enfocado que aparece con nitidez en una foto.

Aproximadamente la distancia nítida es el doble por detrás del punto enfocado que por delante (ver figuras). Hay 3 elementos que hacen variar la profundidad de campo:

 La apertura de diafragma:

A mayor apertura de diafragma menor profundidad de campo. Como se ve en la imagen, la foto hecha a f/2.8 (mayor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo menor.

Igualmente, vemos que la foto hecha a f/22 (menor apertura de diafragma) tiene una profundidad de campo mayor.

 La distancia focal (zoom): 

A mayor distancia focal (más zoom) menor profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha con un zoom de 35 mm tiene una profundidad de campo mayor que la foto hecha con un zoom de 100 mm.

 La distancia real entre la cámara y el punto enfocado:

Cuanto menor es la distancia al sujeto que se enfoca menor es la profundidad de campo.

Como se ve en la imagen, la foto hecha a 1.5 metros del sujeto tiene una profundidad de campo menor que la foto hecha a 4.5 metros.

¿Cómo utilizo la profundidad de campo en mis fotos?

Al hacer una foto plantéate qué partes de la escena quieres enfocadas y qué partes no.

• Profundidad de campo reducida: Utilizar una profundidad de campo reducida puede ayudarte a destacar un elemento sobre el fondo (o sobre un primer plano) y también puede aislar un objeto.

• Profundidad de campo amplia: Sirve para sacar toda la escena lo más nítida posible y no obviar ningún detalle.

Prueba a jugar con ella. Haz dos fotos del mismo motivo de las dos maneras y compáralas.

Dos ejemplos del uso de la profundidad de campo: 

A continuación pongo dos ejemplos de una profundidad de campo reducida y otra amplia.

En la foto de la ardilla decidí utilizar una profundidad de campo reducida porque el fondo carecía de interés. Emborronándolo le daba mucho más protagonismo a la ardilla. La apertura de diafragma en ese disparo era de f5,6 y la distancia focal era de 100mm.

En la foto del paisaje, sin embargo, me decidí por ampliar la profundidad de campo considerablemente, ya que quería sacar nítido tanto el banco como el trigal como el horizonte. Para ello enfoqué en el banco y ajusté la apertura de diafragma a f16 y distancia focal de 17mm.

Previsualización de profundidad de campo:

Busca en el manual de tu cámara si ésta tiene botón de previsualización de profundidad de campo. Este botón sirve para cerrar el diafragma del objetivo (que en estado de inactividad está siempre lo más abierto posible) hasta la apertura ajustada en la cámara. De este modo podemos ver en el visor cómo quedará la imagen definitiva con esos ajustes.

No te asustes si ves que todo se oscurece al pulsar el botón, es normal, simplemente fíjate en cómo afecta a la nitidez en las distintas distancias de la escena.

Referencias: http://www.thewebfoto.com/2-hacer-fotos/211-profundidad-de-campo

http://www.fotonostra.com/glosario/campo.htm

El ritmo en la fotografía:

El ritmo consiste en la repetición rítmica de líneas y formas. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación agradable para el ojo humano. Este llama la atención por si mismo y puede ayudarnos a estructurar la imagen. De hecho, en algunos casos, el ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía.

                           

No obstante, hay que utilizar el ritmo con moderación. El abuso del ritmo puede hacernos caer en la monotonía y aburrimiento. Podemos resolver este problema podemos introducir un elemento que rompa la monotonía de la fotografía y aporte interés a nuestra imagen. El uso del ritmo como elemento secundario es muy recomendable y suele dar fantásticos resultados.

                        

Sin los dos personajes, esta imagen habría caído en la monotonía y carecería de interés.

Conseguir esa sensación de ritmo no es difícil. Es recomendable utilizar al menos tres motivos similares ya que con menos puede ser complicado. También es recomendable utilizar encuadres apaisados que permitan establecer ritmos horizontales y que permitan que el ojo se desplace de lado a lado. Establecer un ritmo vertical, es posible pero más complicado. Si el encuadre esta lo suficientemente cerrado y los motivos rítmicos ocupan todo el encuadre, nuestra mente interpretará que los motivos se extienden más allá del encuadre de forma indefinida.

                        

Dependiendo de cada situación será más apropiado un tipo de óptica u otro, pero por lo general es recomendable utilizar grandes longitudes focales que te permitan comprimir la imagen, reunir y aislar dentro del encuadre los motivos rítmicos. Personalmente considero que el ritmo es uno de los recursos fotográficos más interesantes. Hay que utilizarlo con moderación, ya que como hemos comentado puede llegar a ser monótono, pero utilizado adecuadamente es una de las armas que más satisfacciones nos aportará.

PRINCIPIOS ELEMENTALES DE COMPOSICIÓN: UNIDAD Y VARIEDAD: 

El principio básico de toda composición artística es la unidad, ya que una cosa es lo que se representa, sin embargo tampoco conviene la unidad absoluta. La unidad en la variedad es el principio clásico de toda obra de arte. La unidad es el conjunto, y la variedad sus partes. La unidad sin variedad es monotonía, y la variedad sin unidad desorden. Una composición excesivamente unitaria o excesivamente dispersa no estará equilibrada.

En una composición armoniosa el motivo principal debe relacionarse con motivos secundarios, y estos entre sí, dando a cada motivo el protagonismo que se merece. Esta variedad se consigue alternando objetos pequeños y grandes, vacíos, abigarrados y formas aisladas.

                             

Referencias: https://commons.wikimedia.org/wiki/File%3AFragonard%2C_The_Swing.jpg

http://www.xatakafoto.com/trucos-y-consejos/el-ritmo-en-fotografia

Perspectiva  En La Fotografía:

La perspectiva es el modo en que los objetos del espacio real tridimensional son reproducidos en forma de imágenes sobre un plano. En las fotografías, la perspectiva es, en cierto sentido, una ilusión, pues las sensaciones de profundidad y de espacio se logran por una serie de principios de la perspectiva relacionados con la visión, la óptica, la geometría y algunas características físicas de los objetos y del aire.

Los artistas aprenden los principios de la perspectiva, que les ayudan a dibujar escenas que muestran una perspectiva creíble. Si el fotógrafo los conoce y los aplica con inteligencia, sus fotos mostrarán una buena reproducción de la conformación del sujeto y darán al espectador una sensación correcta de volumen, espacio, profundidad y distancia cuando las observe. Además, el fotógrafo podrá ampliar o comprimir la sensación de espacio y distancia de acuerdo con los efectos visuales que desee, así como comunicar un notable sentido de escala a sus fotos.

                                        

Profundidad de las imágenes

En las fotografías tomadas con una cámara de un objetivo (fotografías de dos dimensiones), la sensación de profundidad proviene de la perspectiva de la fotografía, aportada por los elementos de la profundidad, que interviene tanto en la visión de objetos reales como en las fotografías de éstos. El aprovechamiento de los elementos de profundidad durante la realización de las fotografías para reforzar el efecto tridimensional constituye la aplicación de los principios de la perspectiva, los cuales pueden agruparse en las tres categorías siguientes:

• Perspectiva geométrica.
• Perspectiva de luces y sombras.
• Perspectiva aérea.

                              

Perspectiva geométrica:

La persona que observa una escena posee un punto de mira. Cuando toma una fotografía, el objetivo de la cámara es el punto de mira; la luz proveniente de cada punto del sujeto llega en linea recta al objetivo, el cual forma con esta luz una imagen sobre el sensor o película. A medida que aumenta el tamaño del sujeto, también lo hace el de la imagen. Asimismo, cuando la distancia focal es mayor, la imagen resulta más grande. Inversamente, cuando la distancia al sujeto crece o la focal es más corta, la imagen resulta menor.

                           

Perspectiva del punto de fuga:

En general los objetivos están fabricados para producir imágenes con perspectiva rectilínea. Es decir, las rectas del sujeto aparecerán rectas en la fotografía del mismo (excepto en las perspectivas curvilíneas o esféricas de los objetivos ojo de pez y en la cilíndrica de ciertas cámaras panorámicas). En la percepción, las paralelas se encuentran en los puntos de fuga.

Estamos acostumbrados a percibir las verticales como verticales, paralelas una a otra. En la mayoría de las fotografías, los puntos de fuga de las verticales están en el infinito. Las verticales convergentes o divergentes aparecen cuando se inclina la cámara hacia arriba o hacia abajo, de forma que el plano del sensor o película no quedan verticales. En general esto origina superficies que se inclinan hacia delante o hacia atrás, de manera que se pierde el sentido visual de la perspectiva.

En la perspectiva rectilínea, el horizonte es una recta horizontal, pero en muchas fotos de paisajes el horizonte real queda tapado total o parcialmente por ciertos objetos de la imagen, como montañas, árboles o edificios. La línea, por lo general irregular, que separa el cielo de estos objetos recibe el nombre de "línea del cielo".

                             

Perspectiva de luces y sombras:

El modelado tridimensional de un objeto es más difícil de percibir con iluminación difusa que si recibe directamente la luz solar según un ángulo que ilumine plenamente una parte de él y deje otras partes en sombra. La forma de las porciones iluminadas y en sombra da indicaciones visuales del "volumen" o modelado del objeto. Cuando se incluyen varios objetos iluminados así en una fotografía, aumenta la impresión total de volumen y profundidad. Cuando la iluminación incide según ángulos rasantes, el volumen de los pequeños detalles de la superficie de los objetos se hace más aparente, por lo cual se habla de iluminación de textura.
Además, con luz lateral, un lado de los objetos queda iluminado brillantemente, mientras que el lado opuesto queda en sombra. Ello proporciona una mejor delineación de los objetos sobre el fondo, aumentando la sensación de profundidad debido al realce de la perspectiva de superposición.
Con iluminación a contraluz, la forma de cada objeto queda bien delineada con luz, mientras que su parte frontal está en sombra, de modo que la sensación de volumen de cada objeto disminuye. Pero la sensación de distancia entre objetos es mayor, con lo que aumenta el efecto de profundidad.
Si la iluminación varía entre frontal y lateral a 45°, las sombras de los objetos se proyectan sobre el suelo. La longitud, la profundidad y la forma de las sombras proporcionan indicaciones visuales sobre el volumen de los objetos. Se trata de un efecto que se suma al de las luces y sombras de los propios objetos.
La distancia entre las sombras formadas sobre el plano del suelo que se eleva sirve como referencia de la profundidad general de la escena.

                              

Perspectiva aérea y sus efectos: 

El fotógrafo considera en general el aire como medio transparente por el cual se desplaza la luz y a través del que capta sus imágenes. Para la mayoría de las fotos tomadas a distancias moderadas, esto es esencialmente exacto. Pero en las de sujetos situados a grandes distancias, el aire no resulta perfectamente transparente y su presencia se nota por la forma en que son reproducidos los objetos.

El aire contiene humedad en forma de vapor, así como polvo, humo y otras partículas muy finas que dispersan la luz. La cantidad y la mezcla de vapores y partículas varían con la humedad relativa, la temperatura, los vientos (que levantan el polvo), el humo, etc., de manera que el grado de dispersión varía.

                              
Referencias: http://www.prisma2.com/foto-perspectiva.php